Valérie Belmokhtar, enseignante et auteure

Formatrice chez Lignes et Formations depuis plusieurs années, Valérie Belmokhtar est également une artiste accomplie, ayant enseigné l’art dans plusieurs écoles parisiennes, tout en menant une activité d’illustratrice en parallèle. Pour transmettre sa passion et donner à chacun l’envie de créer, elle signe aujourd’hui un ouvrage, mi-guide, mi-manifeste, intitulé « Créer, c’est exister. »

Au fil des pages, elle tire profit de ses diverses expériences professionnelles et divulgue conseils et réponses, pour que chacun puisse, un jour, créer.

Pouvez-vous résumer votre parcours ? Depuis quand travaillez-vous chez Lignes et Formations ?

Après avoir suivi des cours de dessin durant mes années collège et lycée, j’ai intégré l’école des Arts appliqués Olivier de Serres Ensaama, un bac scientifique en poche, pour passer un BTS de Design d’Espace. Le professeur de peinture de mon BTS m’a encouragée à passer le concours de l’école des Beaux-Arts de Paris (Ensba), que j’ai réussi, et j’ai ensuite intégré l’école en deuxième année. J’y ai étudié la peinture, la sérigraphie, la gravure, le volume ainsi que la morphologie et le dessin de modèles vivants. Les cours d’histoire de l’art y étaient aussi passionnants.

Avant de passer mon diplôme, j’ai passé plusieurs mois à l’étranger. J’ai ainsi suivi des cours à l’école des Beaux-Arts d’Athènes, puis j’ai intégré l’école SMFA de Boston pendant 6 mois, où je me suis formée au multimédia et à l’illustration de livres pour enfants, ainsi qu’au stop motion (cinéma d’animation). Après mon diplôme des Beaux-Arts à Paris, j’ai fait des expositions de peinture et de l’illustration, tout en étant webdesigner à mi-temps. Un métier que j’ai rapidement arrêté pour me consacrer à la création, l’illustration, la peinture et pour travailler dans plusieurs écoles d’art à Paris. J’enseigne l’illustration, la peinture, le dessin et la couleur depuis plusieurs années, tout en conservant une activité d’artiste et d‘illustratrice pour la presse et l’édition.

Je travaille chez Lignes et Formations depuis 11 ans, quasiment depuis le début de cette école puisque j’y suis entrée en 2007. L’enseignement en ligne était assez nouveau à l’époque et cela m’a attirée car j’avais étudié le multimédia et je me suis dit que cette forme d’enseignement allait être intéressante. Nous avons pu créer la section Illustration Jeunesse avec Viriginie Chiodo, elle-même illustratrice et professeure à l’école.

Quelle est pour vous la différence de l’enseignement en présentiel et à distance ?

Lorsque l’on enseigne en présentiel dans des écoles d’art, on suit une classe ou plusieurs classes de 35 élèves pendant un an, ou plus. Le contact est différent de l’enseignement à distance, car on finit par bien connaitre nos étudiants. Cependant, on n’a pas toujours le temps de leur offrir des commentaires très personnalisés. L’enseignement y est plus collectif, parce que l’on s’adresse à une classe entière. 

Dans l’enseignement à distance, je trouve qu’on a le temps de travailler avec chaque personne qui le souhaite, de faire du “sur-mesure”. La souplesse de cette méthode permet une approche très différente et moins collective, centrée sur la personne et son cursus.

Le commentaire écrit permet souvent de personnaliser la correction. Ce qui peut manquer, c’est l’accrochage collectif et les portes ouvertes, mais le partage des travaux peut être maintenant fait lors de classes virtuelles ou pendant les ateliers thématiques, ce qui peut compenser ce manque. De plus pour un professeur, l’enseignement à distance permet souvent d’avoir un public plus large et plus diversifié que l’enseignement en présentiel, cette variété est agréable et intéressante humainement parlant.

Ceci-dit, le présentiel reste important pour moi, car j’enseigne depuis une quinzaine d’années dans un atelier de peinture en entreprise pour des personnes qui la pratique comme loisir.

D’où vous est venue l’envie d’écrire « Créer, c’est exister » ?

J’ai eu envie de croiser mon expérience artistique avec les fruits de mon expérience dans l’enseignement. Il me semblait intéressant de regrouper les notes prises pendant mes cours et ateliers et mes idées sur la création en tant qu’artiste, car les mêmes questions revenaient souvent dans les deux activités.

Ce livre est une manière de partager mes connaissances, mon parcours et d’en faire profiter un public large. 

Les points abordés dans votre livre découlent donc grandement de votre carrière d’enseignante.

Oui. L’enseignement est une activité très riche, dans laquelle on reçoit au moins autant qu’on donne. C’est un échange. Les questions que me posent régulièrement les personnes en formation et mes étudiants m’ont amenée à réfléchir sur ma propre pratique, ce qui m’a incitée à écrire ce livre. J’y ai regroupé des conseils et des réponses, destinés à tous ceux qui ont envie de créer.

Avez-vous rencontré des difficultés durant l’écriture du livre ?

Le processus d’écriture s’est établi de manière fluide et naturelle. J’ai écrit un plan du livre pendant plusieurs jours, à partir de différents carnets de notes manuscrites et d’idées que j’y avais associées. Quelques mois plus tard, je me suis lancée dans l’écriture complète du contenu. Il y a donc eu un temps de maturation, une prise de recul sur le plan détaillé. 

Je n’ai pas connu de difficultés particulières, car ce livre s’est en quelque sorte imposé à moi. Il fallait que je l’écrive, j’en avais l’idée depuis déjà plusieurs années. Je l’ai écrit d’une traite, puis j’ai envoyé un manuscrit complet à Pyramyd, mon éditeur, qui a décidé de le publier : une chance inouïe ! Bien entendu, le manuscrit initial n’a pas été publié tel quel. Mon éditeur a opéré un travail éditorial de grande qualité, notamment en le restructurant. Un livre, c’est un travail d’équipe !

Si je devais souligner une difficulté, ce serait de garder le cap jusqu’au bout, en écrivant chaque jour sans douter. Il faut y croire sans avoir peur d’échouer. J’ai écrit tout le livre sans savoir s’il allait être publié ou non, ce qui constitue en soi une certaine prise de risque.

« Créer, c’est exister » est découpé par thèmes plutôt que par chapitres. Pourquoi ce choix ?

Le livre est construit comme un chemin, un flux, une ligne qui serpente, avec des idées arborescentes dans chaque partie ou paragraphe. C’est de cette manière, naturelle, qu’il a été écrit, et cette structure peut rappeler le chemin même de la création et de ses fluctuations. Cette structure répond aux idées qui sont développées, comme différentes questions qui se posent dans le quotidien du créatif.

La maison d’édition Pyramyd m’a aidée à lier ces différentes parties en respectant totalement le processus d’écriture par petits paragraphes, mais aussi en établissant un principe de différents verbes qui construisent le livre de manière vivante : s’installer, s’inspirer, se lancer, etc. On est dans le concret de la création !

Enfin, un autre avantage d’une structure par thèmes est que l’on peut piocher de manière non-linéaire dans le livre, en fonction de ce qui nous intéresse. Il était important d’aller à l’essentiel dans ces problématiques, le livre se voulant aussi un guide pour les lecteurs, mais aussi un manifeste pour inciter le public à créer.

Quelle place occupe la création dans votre vie ?

La création a toujours été essentielle pour moi. C’est une partie de mon identité et de mon activité quotidienne. J’ai toujours eu besoin de créer, depuis l’enfance. Elle occupe donc une grande place de mon temps de travail, mais également de mon temps libre. Ce que cela signifie pour moi, c’est avoir une vie « augmentée », une dimension supplémentaire au quotidien. C’est d’ailleurs ce que je souhaite transmettre aux autres. 

La création est nécessaire pour la plupart d’entre nous, même si elle reste parfois enfouie.

Quelles sont, pour vous, les qualités à posséder lorsque l’on souhaite se lancer dans une activité artistique ?

Selon moi, le plus important est d’y croire et d’avoir confiance en soi, de vaincre sa peur de l’échec. Être soi-même est également une qualité primordiale. Ne pas chercher la perfection à tout prix, mais développer sa sensibilité. Finalement, se lancer dans une carrière artistique n’est pas forcément une question de talent, mais de persévérance et, encore une fois, de confiance. C’est un travail à mener sur le long terme, petit à petit. Les métiers artistiques sont des métiers de passion, il faut donc accepter que la réussite n’arrive qu’après plusieurs années.

Pour résumer, les qualités principales sont la passion, la motivation, la persévérance, la confiance en soi et la singularité.

Quelles sont, en tant qu’artiste, vos inspirations ? 

Je m’inspire de tout ce qui m’entoure, du quotidien, de mes enfants, de l’enfance en général, des œuvres que j’ai vues dans des musées… Des lectures m’influencent également et me permettent de développer mon imagination. J’ai une grande curiosité pour des domaines en dehors de l’art, comme la science, la botanique et la nature. Je fais régulièrement des croquis, qui par la suite deviennent des peintures, gravures ou des illustrations. Mon travail est comme un atelier en chantier permanent, un « work in progress ». J’essaye de ne pas figer mon travail et d’expérimenter. 

La fonction poétique de l’art et la capacité à enchanter le monde, la possibilité de créer un monde singulier et personnel m’intéresse particulièrement et c’est ce que j’essaye de faire dans mes créations. Je souhaite transmettre un art de vivre et donner aux autres l’envie de créer ! Le tout avec le plus de poésie et d’humanité possible, car le monde en a tellement besoin !

Douceur, poésie, singularité, création… voilà les messages !

« Créer, c’est exister : Comment développer une pratique créative au quotidien » aux éditions Pyramyd – auteure Valérie Belmokhtar

Disponible en librairie et sur le site de l’éditeur : pyramyd-editions.com